• Sur Internet
  • Article sur Andea Mantegna (Wikipédia)
  • La légende résumée d'après Jacques de Voragine (la Légende dorée) et le texte original de la Légende dorée (site de l'Abbaye de St-Benoît).
  • A propos du Laocoon (Wikipédia), retrouvé l'année de la mort de Mantegna.
  • Hermès d'Atalante, utilisé dans la vidéo pour comparer les canons esthétiques grecs et leur transposition dans le St-Sébastien.
    
    
• Rien ne remplace une visite !
  • au Louvre : l'entrée est gratuite pour les jeunes de moins de 18 ans et le vendredi soir pour les moins de 25 ans. Pour situer l'oeuvre, rendez-vous sur le site du Louvre ou sur la page consacrée au St-Sébastien .
    Si vous habitez en région parisienne, descendez au RER A (10 min de marche), arrêt Châtelet, ou au métro Louvre Palais Royal.
  • à Mantoue en Italie : au Palais Ducal, vous pourrez admirer la Chambre des Epoux, chef d'oeuvre de Mantegna.
    
    
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Transcript intégral (tous droits réservés)

De jeunes hommes dénudés, ligotés et criblés de flèches, on en croise souvent dans les musées.

Avant, ils peuplaient les Eglises, où l’on dit qu’ils ne donnaient pas que des émotions religieuses aux fidèles… ;-)

Un peintre italien du XVème siècle, Mantegna en a réalisé trois versions à lui tout seul, dont la version du Louvre.

Essayons de comprendre à partir de cette œuvre pourquoi le sujet intéresse autant un artiste, et comment ce tableau est emblématique de l’esprit d’une époque : la Renaissance.

o             Au départ, on reconnaît bien la figure d’un martyre , « St Sébastien », transpercé de flèches et attaché aux bras et aux jambes.

Le réalisme est poussé au comble de l’exactitude anatomique :

•             La forme des flèches affleure sous la peau, comme des veines…

•             Les gouttes de sang ruissèlent, tachent le tissu… et tombent sur les pieds.

•             Les cordes déforment les bras ou les jambes

•             Et le visage des archers est ridé par la méchanceté.

Tout semble fait pour émouvoir le croyant en lui décrivant cliniquement le martyre ! Alors, n’a-t-on affaire qu’à une nième image pieuse ?

-              En fait, d’autres éléments suggèrent une signification plus mystérieuse !

•             D’abord, l’attitude du St-Sébastien aussi impassible qu’une statue. Le corps reste debout sans signe de convulsion ou de faiblesse. Le visage tourné vers le ciel traduit des sentiments mêlés de souffrance et d’espérance.

•             Ensuite, le lieu où se déroule la scène. C’est un paysage antique, largement en ruines. La nature y reprend ses droits : un figuier pousse au pied de la colonne, le lierre grimpe sur les ruines. Un pied sculpté, seul vestige d’une sculpture, est mis en parallèle avec celui du saint

•             Enfin, une ville imaginaire, à l’arrière-plan. On distingue un forum –c'est-à-dire le lieu du marché dans les villes antiques-, des colonnes renversées, des centaures sur les bas-reliefs, et même une ville de style plus récent construite sur les hauteurs d’un relief vertigineux.

-              La clé de ces mystères réside dans une spécificité du tableau : il fonctionne comme une fenêtre ouverte sur la scène d’une pièce de théâtre  .

             Comme sur une scène, les personnages sont grandeur nature. [mettre flèche sur hauteur de 2.55 m]

             Comme un paysage vu à travers une fenêtre, le paysage est représenté en perspective, en respectant les lois de l’optique.

             En effectivement Mantegna a peint un mince cadre rouge imitant le porphyre, qui évoque une fenêtre creusée à travers la pierre.

Le choix de cette roche rouge ne doit rien au hasard : elle symbolise le sang du Christ, mais aussi les empereurs romains depuis l’époque de Dioclétien. Ce dernier a vécu au IIIe siècle et c’est aussi lui qui demandé la mise à mort de Sébastien.

Cette pierre a d’ailleurs été utilisée dans une autre œuvre religieuse fameuse du Louvre : l’aigle de Suger.

•             Et que nous raconte cette pièce de théâtre ? Nous le saurons si nous essayons de deviner comment le peintre essaye de guider l’œil du spectateur :

             Logiquement, l’œil est d’abord attiré sur le corps du saint, puisqu’il est placé au centre, mis en valeur par la colonne et plus lumineux que les autres détails.

             L’œil va ensuite du torse vers le bas, pour considérer les flèches et, fort logiquement, les bourreaux qui sont responsables du martyre. Notre regard est comme mis sur des rails par les cannelures, la ligne des muscles, mais aussi par l’orientation des flèches ou les coulées du sang.

             Ensuite, tout un réseau de lignes nous fait changer de direction. Les cordes attachées sur le côté pointent vers la ville, la forme de l’arc s’insère presque exactement dans le chemin…. … où nous nous engouffrons pour remonter jusqu’au forum. Ce dernier a été surélevé par Mantegna (il monte vers le fond comme le prouve sa hauteur différente par rapport au monument de gauche) pour accentuer l’effet de convergence vers le fond. Le regard est ainsi entraîné vers le haut, jusqu’au ciel, par un mouvement serpentin, plus vivant moins solennel que les lignes droites de la zone précédente.

             Arrivé au ciel, la contemplation devient plus libre : le regard peut redescendre, dans la ligne du bras et des colonnes. Et là notre regard se perd dans une zone plus sombre où les  pierres brisées s’amoncèlent, comme une espèce de réserve de symboles.

•             Par le jeu des formes, nous sommes donc incités à suivre un cheminement prévu par le peintre. Où nous conduit-il ?

II. Explication

Le parcours de notre regard peut s’expliquer selon deux directions :

•             Celle de son sujet, c'est-à-dire ici l’histoire de St-Sébastien

•             Mais aussi celle de son style et de sa signification artistique

On peut distinguer trois niveaux de sens dans l’histoire de St-Sébastien :

•             D’abord le sens littéral

i.             Mantegna se fonde sur l’autorité d’un livre publié vers 1260, la Légende Dorée, de Jacques de Voragine, qui mentionne que : « Dioclétien fit attacher Sébastien sur un terrain découvert, et percer par des archers, qui le criblèrent au point qu’on eût dit un hérisson ». Mantegna situe habilement la scène alors que les archers quittent le terrain, ce qui lui permet représenter à la fois sa dignité quasiment au moment du martyre et sa survie.

ii.            La scène datant du III siècle, près de Rome, la présence de vestiges d’architectures antiques est cohérente [Le chapiteau composite de la colonne, par exemple, présente un air de ressemblance avec ceux qu’on pouvait trouver du temps de Dioclétien, comme ce chapiteau corinthien, qui provenait de son palais à Split.]

[Images chapiteau Split, voir du forum de Rome, comme l’arc de Titus]

iii.           Par ailleurs, ruines et brisures correspondent au texte de la légende (p. 137 légende Dorée, édition pléiade) selon laquelle Sébastien aurait brisé des idoles, signe d’abandon des dieux païens et de conversion.

•             Deuxièmement, après le sens littéral le sens symbolique. En ajoutant une ville et des éléments de sa propre époque, le Saint apparaît conformément à la tradition du Moyen-Âge comme un bouclier protecteur contre la peste.

i.             Dans cette perspective, les flèches ne représentent plus celles d’archers païens, mais celles du fléau de la maladie, auxquels St-Sébastien fait bouclier par sa foi, tout en restant en bonne santé.

ii.            Les archers ne sont plus nécessairement des bourreaux, mais les représentants d’une honorable corporation au service des italiens du XVème siècle, comme en témoigne leurs vêtements aux couleurs vives à la mode Renaissance.

•             Troisièmement, après le sens symbolique, le sens religieux.

i.             Mantegna reprend une idée exploitée 20 ans auparavant, alors qu’il était âgé de 29 ans, dans ce tableau où l’on retrouve les vestiges antiques et une statue détruite : cette idée c’est celle de faire de st-Sébastien une statue vivante qui remplace la statue morte et détruite de la Rome antique. Pour être convaincant, le corps présente un léger déhanché typique des canons esthétiques grecs et romains, la peau est très pâle, comme du marbre, et le buste est volontairement épargné par les flèches, pour ressembler à un buste antique.

L’objet de cette représentation est de montrer qu’en subissant le martyre, St-Sébastien a manifesté une force spirituelle supérieure à celle de païens romains.

L’arbre mort, à l’extrême droite du tableau semble faire écho à l’arbre devant lequel les autres artistes ont souvent représenté leur St-Sébastien plutôt qu’une colonne.

ii.            Le tableau manifeste ainsi, à la fois une admiration pour la civilisation antique dont les ruines sont présentées avec beauté et grandeur, mais aussi une affirmation du dépassement de cette civilisation par l’esprit chrétien, dont le figuier symbolise l’église alors que la sandale représente la chute des empereurs.

iii.           Témoin de cette gradation, les 3 villes d’autant plus proches du ciel qu’elles sont contemporaines. Tout se passe comme si la ville de la Renaissance devait faire la synthèse entre la ville antique, ouverte au sciences mais païenne, et la ville médiévale certes chrétienne mais moins éclairée par la raison.

Examinons maintenant la relation au style et aux intention de l’artiste dans le contexte de la Renaissance

L’histoire de Mantegna ressemble à un conte moral : né pauvre d’une famille paysanne, il parvient jusqu’au titre de chevalier grâce à son talent et à l’intelligence de mécènes.

L’époque est exceptionnelle : né l’année où la France met jeanne d’Arc en procès, il voit l’invention de l’imprimerie, la chute de Constantinople, la découverte de l’Amérique, et meurt alors qu’on découvre l’une des plus grandes œuvres d’art antique de tous les temps, le Laocoon.

•             M contracte très tôt le virus de l’antiquité entre environ 14 et 17 ans dans une école d’apprentissage très stimulante surnommée la « maison aux reliefs » parce qu’elle contenait l’une des plus grandes collections d’antiquités (pièces de monnaie, médailles et sculpture). destinée à être copiée pour former les élèves. L’un des premiers chefs d’œuvre de M, la fresque de Eremitari, détruite en 1944, témoigne de cette passion.

•             Mais cette sensibilité pour l’antique n’est pas une nostalgie : elle correspond au projet ambitieux de tous les artistes Renaissants de surpasser leurs inspirateurs antiques en unissant l’art aux sciences et en travaillant selon une méthode. Leur objectif est de tout représenter avec réalisme, qu’il s’agisse de scènes réelles, de fictions ou d’œuvres symboliques.

o             Grâce à la perspective, la fresque de Eremitari est peinte en contre-plongée, c'est-à-dire en vue de dessous, ce qui renforce la solennité de la scène.

o             L’étude rigoureuse des architectures d’après les vestiges archéologiques permettent également aux artistes de recréer des bâtiments imaginaires, à l’antique, comme on peut le voir dans ces nombreux exemples de tableaux de Mantegna.

o             Les carnets de Léonard de Vinci, qui est son cadet de 20 ans, témoignent de cette tendance générale à se servir des sciences pour mieux représenter la nature : l’anatomie permet de représenter exactement les veines et les muscles ; l’étude des marques et formes supposées des visages d’exprimer  les passions ; l’optique et les mathématiques de situer les corps dans un espace rigoureux.

o             C’est là une rupture complète avec le Moyen-Âge. Une rapide comparaison le St-Sébastien d’un maître provencal, le Retable de Thouzon  , peint 70 ans auparavant, permet de constater immédiatement la différence. (…) L’artiste n’a pas le souci de représenter les choses dans un espace géométrique ni même le corps de St-Sébastien, mais simplement d’exprimer une histoire de façon lisible.

Le St-Sébastien de Mantegna est donc triplement emblématique :

•             Il témoigne d’une véritable réussite artistique car il parvient à associer une grande variété d’effets tout en conservant un très fort sentiment d’unité et de naturel.

•             Il révèle l’art de la mise en scène de Mantegna, en entraînant l’attention du spectateur dans un cheminement dynamique, en accord avec les idées qu’il souhaite représenter.

•             Il manifeste une nouvelle conception de la peinture, et de l’âme d’une époque à la fois admiratrice de l’antiquité et désireuse de la dépasser.